CineClub Magdalenes

Volvemos

2009-10-28T09:35:00.000-07:00

Fins aviat

2009-06-02T03:09:00.001-07:00

Jueves 28: To exist is to resist

2009-05-25T03:31:00.000-07:00

De la Venezuela de ayer nació la Venezuela de hoy, víctima de políticas latifundistas y de una segregación social que aleja a una parte de su población de los recursos económicos y sociales básicos (trabajo, salud, educación...). Una segregación que implica que la existencia esté vinculada a la resistencia, disfrazando una lucha de clase en un combate para la dignidad de un techo...
To Exist is to Resist es el testimonio de una lucha que sobrepasa el marco del país donde tiene lugar, la lucha por la vivienda, proponiendo una reflexión sobre la propiedad privada en la voz de los que ya tomaron más de 160 edificios en el país de la Revolución Bolivariana.
A lo largo de esta película, entramos en el corazón del "Comité Nacional de los Sin Techo" por medio de sus principales protagonistas, soldados soñadores, soldados tomadores, tomando edificios abandonados para devolverlos al pueblo. Este pueblo que construyó el techo, las paredes y que observaba desde el exterior esta puerta cerrada con llave...

Ver trailer de To exist is to resist.

Jueves 21: Iraqui short films

2009-05-19T02:29:00.001-07:00

En muchos momentos de su Iraqi Short Films, Mauro Andrizzi parece compartir las ideas sobre la imagen del Hayao Yamaneko de la inagotable Sans soleil. Imágenes que a fuerza de ser tratadas denuncian su condición de imágenes. Manipuladas en el sentido más físico de la palabra, salen fuera de la lógica en la que solemos verlas, la de la información-contrainformación. Una secuencia se repite dos veces a lo largo del filme: un coche avanza por una carretera, al final de la cual le espera una explosión, con el consiguiente retroceso del vehículo huyendo de las llamas. En las dos repeticiones, una pugna entre lo dramático de la situación y un impulso de las imágenes a devenir abstractas, distorsionadas temporal y gráficamente, con tratamientos que nos hacen pensar en las experiencias del cine estructural o determinados usos de la animación experimental... (seguir leyendo).

Jueves 14: Copacabana

2009-05-10T06:13:00.000-07:00

Todos los años, durante dos domingos del mes de octubre, la comunidad boliviana en Argentina celebra su fiesta patronal más importante: la fiesta de Nuestra Señora de Copacabana. Cientos de grupos de música y baile de todo el país desfilan en el barrio porteño de Charrúa en una celebración que trasciende lo religioso. A través de los ensayos de algunos de los grupos de baile y música, de álbumes de fotos, y de la frontera entre Bolivia y Argentina, se construye un retrato distante y a la vez cercano de la comunidad boliviana en Buenos Aires.

Entrevista a Martín Rejtman 1
Entrevista a Martín Rejtman 2

Jueves 7: La libertad

2009-05-06T04:07:00.000-07:00

Como sucede en el caso de su admirado Tsai Ming-liang, el cine del argentino Lisandro Alonso (...) puede considerarse un imparable proceso de reconstrucción, ampliación y reinvención de su primera película, contenedora en potencia de una serie de características que se irán repitiendo a cada nuevo paso en su filmografía. La libertad nos describe la rutina vital de un hombre llamado Misael Saavedra, que vive solo en medio de la espesura y se dedica a la tala de árboles. La cámara sigue los pasos del protagonista mediante planos largos y sostenidos en los que, a simple vista, no sucede nada. Pero, ¿es eso cierto? ¿No será posible que, en realidad sí sucedan cosas pero no como en las ficciones sustentadas en tramas urdidas mediante la acumulación de hechos más o menos espectaculares? La libertad incluye planos a bordo de un vehículo de cuatro ruedas muy deudores del cine de Abbas Kiarostami, otro director citado por Alonso como una de sus influencias. Los últimos trabajos del cineasta iraní se caracterizan por la renuncia radical a la narración, por la búsqueda de historias ínfimas que recuperen la relación del ser humano con la naturaleza. En las dos primeras películas de Alonso, los personajes protagonistas, acostumbrados a lidiar día a día con el (des)orden natural que les rodea, interactúan con el entorno de manera netamente física y de ese modo logran la supervivencia temporal de sus organismos, pero nunca llegan a intelectualizar (porque, en realidad, tampoco lo necesitan) o tratar de ordenar de un modo racional (es decir, propiamente humano) el devenir de lo empírico... (seguir leyendo).

Jueves 30: Muhammad Ali, the greatest

2009-04-20T02:35:00.000-07:00

El material de archivo de Muhammad Ali se usa para vender de todo, desde refrescos a coches. La imagen con la que nos malcriaron es la del boxeador increíblemente carismático, que baila por el ring y grita: “Soy el más grande”. El Muhammad Ali de ahora es también una figura muy pública, a pesar de su imposibilidad casi total para moverse o hablar. Su voz fue callada al mismo tiempo por los años de boxeo y por la enfermedad del Párkinson. Este Ali fue abrazado por el sistema como un santo en vida. En 1996, lo enviaron, con sus manos temblando, a encender la llama olímpica en Atlanta. En 2002, “aceptó protagonizar una campaña publicitaria producida por Hollywood, diseñada para representar a Estados Unidos y la guerra en Afganistán al mundo árabe”.

Ali fue completamente absorbido por el sistema como una leyenda, un icono inofensivo. Casi no queda nada de la controvertida verdad: nunca hubo un deportista tan insultado por la prensa del poder, tan perseguido por el gobierno estadounidense ni tan desafiantemente querido en todo el mundo como Muhammad Ali. Apenas queda ya una mención de este Ali, el catalizador que traslado los temas del racismo y la guerra al deporte profesional... (leer artículo completo aquí)

Jueves 5: Moi, un noir

2009-03-03T16:16:00.000-08:00

Jean Rouch (1917-2004), francés de origen catalán e ingeniero de profesión, llegó a la etnografía y luego al cine quizás por azar. En los años cuarenta partió a África como ingeniero civil para supervisar la construcción de puentes y carreteras. Su encuentro con el naturalista Théodore Monod que dirigía el Instituto Francés de África Negra fue decisivo. Rouch empezó a realizar investigaciones etnográficas que Monod publicaba. De vuelta en París estudió antropología y decidió utilizar una cámara, en vez de un cuaderno, como herramienta para la investigación.
En 1946 partió nuevamente a África con una cámara de 16 mm; al perder el trípode en el río decidió seguir filmando a pulso. Este hecho marcó toda su obra, luego diría: “Nunca pongo la cámara sobre un trípode. El cine es para mí una forma de creación poética inmediata, es necesario estar en contacto físico con el mundo, como con la cámara”. El desarrollo de las cámaras ligeras y del registro sonoro sincrónico a finales de los años cincuenta fueron pilares del llamado cinéma vérité fundado por Rouch. A través de su vida filmó unas 120 películas y más de la mitad de ellas fueron filmes etnográficos sobre el continente africano. "No se trata de hacer grandes propósitos", ha declarado Rouch, "sino de tener el coraje de realizar las historias que cada uno quiere hacer y hacerlas a través de métodos de resistencia".

Entrevista a Jean Rouch

Jueves 16: TranXgènia, la història del cuc i el panís

2009-04-13T02:49:00.000-07:00

Jueves Santo

2009-04-08T01:59:00.000-07:00

No habrá proyección el día 9, pero en esta semana no nos podemos olvidar de José Val del Omar. La película de este jueves la dejamos aquí:

Jueves 2: Nuestro pan de cada día

2009-03-30T13:54:00.000-07:00

La cámara de Geyrhalter hace suyos los mismos principios de asepsia, estilización y deshumanización que rigen la producción actual de alimentos. De hecho, la mayoría de sus planos, perfectamente compuestos y fotografiados, podría formar parte de un vídeo industrial en el que se ensalzara la higiene, el control de calidad y el alto grado de desarrollo tecnológico alcanzado por estas empresas.

Planteado como un documental observacional que elude cualquier entrevista, narración o diálogo in situ, Our daily bread ofrece una serena, distante y minuciosa descripción visual de espacios, en ocasiones, monumentales, surrealistas (los paisajes plastificados de El Ejido) o futuristas (los laboratorios de las granjas vacunas). Combinando los planos estáticos con largos travellings- con frecuencia realizados gracias a las cadenas, tractores y otra maquinaria de granjas y fábricas-, el director crea una “sinfonía industrial” cuya estructura responde al seguimiento de los diferentes procesos (alimentación, reproducción, selección, muerte y descuartizamiento de animales; riego, fumigación, recolección y empaquetado de vegetales), a la captación de la coreografía de los mismos dictada por el tempo continúo de las máquinas y a la búsqueda de rimas visuales entre los diferentes espacios... (seguir leyendo)

Jueves 26: Bamako

2009-03-20T04:00:00.000-07:00

Hay mucho de choque cultural, político, social, jurídico, histórico incluso en Bamako, la última película de Abderrahmane Sissako, donde el pueblo africano se bate en duelo contra las grandes instituciones (el FMI, el Banco Mundial, el G8) que ostentan el poder económico mundial y marcan las pautas que acabarán determinando la política, no sólo económica, global. Se trata de un duelo con unas reglas muy precisas y un marco muy concreto, las reglas son las de la retórica, y el marco un patio de vecinos que sirve de improvisado tribunal donde los abogados de la defensa y la acusación interrogan a sus testigos, repasan datos, y lanzan sus impresionantes alegatos, siempre con ese calculado punto de puesta en escena que tienen la mayoría de los buenos abogados, no se sabe, si también ellos, por muy franceses que sean, inconscientemente colonizados por tantos años y años de ver películas norteamericanas de tribunales.

Ese patio de vecinos, también (como apunta Jaime Pena en su crítica en "Cahiers-España") corralón de comedias, recoge la herencia de unos tiempos en los que en África aún prevalecía un concepto de la justicia tribal y participativo, regido por el sentido común, pero especialmente por unas reglas comunales que perseguían la perpetuación de la tradición y la pervivencia de la cohesión dentro del grupo humano. Pero la justicia que vemos en Bamako tiene más de espectáculo (ahí está su retransmisión como si fuera un partido de fútbol), de pirotecnia oratoria, de recordatorio frío de cifras, de pactado combate donde, poco importa, nunca asistiremos a su sentencia final, tampoco importa demasiado que todos los datos que se dan sean ciertos (y sobradamente conocidos) y que los procuradores, o los testigos, sean realmente abogados los primeros, y radicales africanos conocidos por su lucha contra la globalización y que reivindican el impago de la deuda externa los segundos; por su parte, el juez es una figura muda que apenas arbitra, y el público asiste impertérrito a esa pantomima para occidentales comprometidos, donde (gran hallazgo de Sissako) la verdadera África se pasea alrededor de los juristas sin ser vista, ni escuchada... (seguir leyendo).

Jueves 19: La negra de...

2009-03-14T03:23:00.000-07:00

Describiendo a Sembene como la "fuerza más importante" de la historia del cine africano, el crítico de cine de Los Angeles Times, Kenneth Turan, escribió en 2004 que "en la comunidad cinematográfica francófona de África, es l'aine des anciens, el más respetado entre los venerados, alguien cuya pasión y compromiso con el cambio social ha inspirado a directores de cine y enfurecido a gobiernos, tanto en Europa como en casa".
(...)
Comentando sobre su papel como cineasta en una entrevista de 2005 con el diario londinense The Independent en 2005, Sembene dijo: "Yo hago cosas para hablar con mi pueblo, mi país. La prioridad es que me entienda mi gente. África necesita ver su propio reflejo. Una sociedad progresa haciéndose preguntas, de modo que quiero ser un artista que hace preguntas a su pueblo".
(...)
Hijo de un pescador, Sembene nació en Ziguinchor, Senegal, el 1 de enero de 1923. Dejó la escuela francesa a los catorce y trabajó como aprendiz de mecánico y albañil. Tras servir en el ejército francés de la liberación durante la Segunda Guerra Mundial, participó en la histórica huelga de ferroviarios de Dakar-Níger de 1947-1948. Luego se subió de polizonte en un buque con destino a Francia, donde encontró trabajo en los muelles en Marsella y se convirtió en un activo sindicalista marxista.
(...)
Preocupado por el retrato que hacían no-africanos de los africanos -"ya soportamos demasiadas plumas y tambores", dijo una vez-, Sembene se dedicó a hacer cine a principios de los años sesenta, después de pasar un año estudiando cine en Moscú.
(...)
El hombre de la carreta (Borom Sarret), un corto sobre un mísero carretonero de Dakar, ganó el premio a la mejor película en el Festival de Cortometrajes de Tours en 1963. En 1966, su drama La noire de... fue su primer largometraje. El drama, también escrito por Sembene, es la trágica historia de una joven mujer senegalesa que se siente deshumanizada trabajando como criada en una adinerada familia blanca en la Riviera francesa. La noire de... fue la primera película del África negra en ser exhibida en una première de Cannes y ganó el prestigioso Premio Jean Vigo. El crítico francés George Sadoul escribió entonces: "Gracias a Sembene, el continente negro se hace al fin un lugar en la historia del cine del mundo".

Extraído de mQh

Notas sobre cuestiones de postcolonialidad en Sembene

Jueves 12: La pesadilla de Darwin

2009-03-07T02:59:00.000-08:00

En La pesadilla de Darwin el documentalista Hubert Sauper recoje el testigo del libro donde Tijs Goldschmidt, célebre biólogo holandés, desgrana los terribles efectos medioambientales y el gran impacto social que ha causado la introducción artificial en el lago Victoria de una especie sumamente nociva, la perca del Nilo. Estirando del hilo Sauper indaga en los verdaderos motivos que de tan funesta manipulación se derivan y trenza un paralelismo de terroríficas consecuencias entre este depredador totalmente ajeno al ecosistema del que se alimenta y al que amenaza con destruir y la opulenta Europa que se apropia de los recursos del Tercer Mundo mientras sus habitantes se mueren de sida o inanición.
Sauper da espacio a sus protagonistas, confía en la transparencia de sus rostros tanto como otros confiarían en la imagen explícita que se quedarán sin ver y consigue que sus silencios digan tanto o más que sus palabras.
Hábilmente montadas, como estratégicos bloques de hielo reflectores del paisaje pero cuyo peso es suficiente para provocar una debacle, las imágenes de La pesadilla de Darwin poseen la sabia virtud de interrogarse las unas a las otras. Y en muchos casos el resultado no es tanto una respuesta como la cruda constatación de un auspicio. En ese sentido, que la primera imagen del documental, la de la sombra de los aviones que sobrevuelan el lago Victoria proyectada en sus aguas, nos transporte casi infaliblemente hasta esa otra sombra que Flaherty filmó para Lousiana Story es un indicio revelador de la voluntad de la obra de Sauper pero también una prueba del carácter altamente inductivo de sus imágenes y de su entidad como obra cinematográfica.
Después de ver La pesadilla de Darwin uno siente que Sauper ha querido romper el espejo para luego, al engarzar las piezas frente a nosotros, hacernos conscientes de como cada uno de nuestros actos influye, en mayor o menor medida, en ese complejo entramado que dirige los destinos de los habitantes de Mwanza, en Tanzania y que ha tomado el relevo en el humillante proceso bajo el que, día a día, los africanos ven sus nombres sepultados. Un entramado –el de la globalización- del que todos, espectadores y protagonistas, formamos parte y el alcance del cual muchos suponemos pero pocos asumen el riesgo de mostrar.

Extraído de Docs.

Jueves 5: San Clemente

2009-01-31T03:47:00.000-08:00

San Clemente es una de las obras cumbres de Raymond Depardon y una de las mejores aproximaciones cinematográficas que se han hecho sobre el mundo de los enfermos mentales. Parte de un punto similar al de la histórica Titicut follies (Frederick Wiseman, 1969): un grupo de personas que requieren una atención especial son tratadas de forma marginal y a veces infrahumana por parte del estado. En Tititcut los enfermos parecen reclusos de una prisión, sufriendo inquisitivos interrogatorios, cacheos y un trato muy poco adecuado. En el centro que retrata Depardon (San Clemente, situado en Venecia) los problemas nacen por el abandono y la falta de recursos. Ambos cineastas consiguen ir más allá del planteamiento inicial, siendo capaces de plasmar en el celuloide las sensaciones vividas en este crudo y surreal ambiente... (seguir leyendo)

Jueves 12: Chats perchés

2009-02-08T02:57:00.000-08:00

Un cineasta sale a la calle con su cámara a tratar de descubrir el misterio de unos gatos sonrientes que comienzan a aparecer dibujados en las paredes de París. Pero el misterio no es quién los hace, sino qué es lo que quiere decir ese gato. Y qué es lo que sucede en esas calles, esa ciudad y ese mundo en los que el gato se manifiesta. Suerte de diario personal urbano de ese gran documentalista y experimentador del cine que es el veterano maestro francés Chris Marker, Chats Perchés es una de esas pequeñas grandes películas que siempre aparecen escondidas dentro del vientre de ese monstruo que suele ser un festival de cine.
Realizado en video para la televisión, la hora de metraje del film de Marker comienza contando la historia de la aparición de los dibujos de estos enormes gatos sonrientes en las terrazas de París, herederos del gato de Alicia, luego de septiembre de 2001, fecha marcada por el atentado contra el World Trade Center de Nueva York. Realizado con una camarita casera en video, el poético y zumbón trabajo está acompañado por placas de texto, al estilo del cine mudo, que hacen las veces de relato cómplice en primera persona. A partir de los gatos, Marker recorre calles que se llenan de manifestaciones, paredes llenas de carteles de campañas políticas, e incluso reflexiona sobre la guerra de Irak y hasta el mundial de fútbol. “La película se fue construyendo de sorpresa en sorpresa, siguiendo la pista de los gatos sonrientes, un mensaje de benevolencia pintado por alguien que corría el riesgo de romperse la columna sólo para hacer flotar un mensaje de benevolencia sobre esta ciudad que tanto lo necesita”, confesó Marker. El resultado es una extraña street movie, un paseo por los últimos años de una ciudad bajo una mirada reflexiva y abarcadora, combativa y confesional, y capaz de generar en el espectador una sonrisa tan cómplice y generosa como la de su gato protagonista.

Extraído de página 12

Jueves 19: Chicago 10

2009-02-14T03:58:00.000-08:00

En Chicago 10 (2007) de Brett Morgen aparecen otros tantos rostros enmascarados. En concreto, las recreaciones animadas (a través de la técnica conocida como capture-motion animation, popularizada por Richard Linklater) de los Chicago Seven (es decir, Abbie Hoffman, Jerry Rubin, David Dellinger, Tom Hayden, Rennie Davis, John Froines y Lee Weiner) más Bobby Seale, miembro de los panteras negras, y los abogados William Kunstler y Leonard Weinglass. En definitiva, las diez personas que enfrentaron la contienda legal resultante de los míticos disturbios acontecidos durante la Convención Nacional Demócrata de 1968 en Chicago (cúspide de las manifestaciones contra la guerra de Vietnam). Diez rostros “animados” que en el filme son utilizados por Morgen como un elemento más de su vibrante e inteligente cóctel de puro agit-prop.

Lo interesante del método de agitación aplicado en Chicago 10 radica en la variedad e idoneidad de los diferentes modelos de apropiación utilizados. Por ejemplo, está el modo en que Morgen reanima las antiguas imágenes de archivo mediante la invocación de temas musicales contemporáneos. El anacronismo pop del Moulin Rouge (2001) de Bazz Luhrman aplicado al cine de lo real. En este caso, las escenas de los disturbios y las cargas policiales se acompasan mediante los rítmicos temas de Eminem, los Beastie Boys o Rage Against the Machine. Una forma sencilla y efectiva de reclamar la vigencia de la lucha por unos derechos civiles que, durante los últimos años en Estados Unidos (en la era pre-Obama), se han visto claramente comprometidos. Aunque la apuesta verdaderamente radical de Chicago 10 se halla en su audaz uso de la animación digital. No es sólo que Morgen utilice el dibujo para cubrir el fuera de campo histórico del juicio de los Chicago Seven (no existe ningún registro visual del mismo, sólo las transcripciones), sino que decide apropiarse de ese espacio figurativo con un espíritu absolutamente trasgresor (y manipulador). Una apropiación perpetrada con llamativos travellings por la sala de tribunales (en una transcripción animada del vigor visual de David Fincher o Brian De Palma), articulando la postura ideológica del filme mediante composiciones picadas y contrapicadas, afectando la gestualidad satírica de los personajes… A la postre, una construcción épica que deviene apropiación moral del espacio de representación de la historia civil norteamericana.

Extraído de blogs&docs

Jueves 26: Vals con Bashir

2009-02-20T02:59:00.000-08:00

Una noche, en un bar, un amigo le cuenta al director israelí Ari Folman un sueño recurrente que tiene en el que 26 perros le persiguen. Los perros han aparecido 20 años después de que su amigo matase a otros tantos durante la guerra del Líbano. ¿La guerra del Líbano? Ari Folman también la vivió, pero no tiene ningún recuerdo de ella. Es posible, a veces la memoria hace cosas así. Pero el la historia de su amigo y los perros hace que alguna imagen vuelva a rondar la cabeza de Folman, y eso ya no se puede parar.

El director está decidido a recuperar sus recuerdos, y del mismo modo que lo haría un detective, va entrevistando gente y con los relatos de todos ellos, va reconstruyendo su papel su papel en el ejército israelí y, sobre todo, la matanza en los campos de refugiados de Sabra y Chatila. Y decide hacer una película con todo este material. Pero, ¿cómo hacerlo? ¿Cómo lograr plasmar en imágenes unos recuerdos?

Beirut, 1982
Ari mira su foto hace veinte años en Beirut. Delgado, de uniforme, con un Galil terciado, sin barba, sin canas, joven. La ciudad al fondo, destrozada por los bombardeos. No me reconozco, admite. Hay algo mal ahí. No me recuerdo.

Experimento
Al sujeto le enseñan cuatro fotografías de su infancia y le piden que cuente todo lo que recuerde de esos momentos. Una de las fotografías, sin embargo, es un fotomontaje digital donde el sujeto, de niño, aparece montado en un globo aerostático. El evento nunca ocurrió pero la mitad de los sujetos, al cierre del experimento, recuerdan vividamente la tarde a los siete años cuando su padre los llevó a montar en globo. Su hermana y su madre abajo despidiéndose, de sombrero, con trajes largos. Los árboles. El río al fondo. El frío. El olor de la llama que mantiene el globo en el aire. El miedo de caer.

La guerra recordada
Recordar, pues, es un ejercicio de invención. La guerra, pasados los años, es una comedia absurda y dolorosa sin protagonistas, sin sentido, donde un viaje caluroso de verano se transforma en horror de un disparo al cuello, y el horror en un concierto estridente –estertóreo–, y la música en un canal –uno más– para abstraer y difuminar lo que ocurre. Estar sin estar. Ver sin ver. De eso se trata. Imagine que lo ve tras una cámara, dice el periodista. Imagine que nada es real ni usted está en ese lugar. He ahí el secreto.

Bengalas
Bengalas en el cielo de Beirut. Bolas de fuego sangrantes. Beirut iluminada por sus explosiones secas y su caida lenta. Ari desnudo, sumergido en el mar, viendo las luces caer. Luego vistiéndose junto el mar y caminando entre los edificios. Ari en una calle, rodeado de mujeres y niños palestinos que lloran y gritan y levantan los brazos. ¿Esa es la guerra? ¿Esa es?

Subconsciencia Colectiva
Ari habla con sus compañeros de frente. Les pregunta: ¿Qué ocurrió? Ellos dicen: ¿De verdad no lo recuerda? Ari dice: No. Ni los tanques, ni los niños con lanzacohetes, ni el yate de lujo, ni el carro rojo que fue imposible detener, ni la mujer inmensa que salvó a Ben-Yishai de la explosión, ni la noche que Dayag pasó sumergido entre el mar caminando hacia las luces, ni el baile de Lazarov entre las balas y en trance, disparando su MAC robada, ni los combates entre los limonares, ni el sabor de la sangre en la boca, su olor en el aire mezclado con pólvora. Pero todo regresa cuando lo cuentan. Conjurado por las palabras. Todo en el fondo está ahí, oculto, trastocado, avergonzado, resignado a ser lo que fue.

Extraído de cinematical y ochoymedio

Cambios

2009-02-13T03:08:00.000-08:00

Desde el próximo jueves 19, extendemos la idea del cine gratuito al ámbito doméstico: durante las tres horas previas a la proyección abrimos el bar de Magdalenes y compartimos todas las películas proyectadas en el CineClub.

En la última sesión (día 26) sustituimos Ossos (Pedro Costa) por Vals con Bashir (Ari Folman), que se estrena seis días antes en los cines comerciales.

A partir de ahora las proyecciones no comenzarán a las 20:00, sino a las 21:00.

Jueves 18: Goodbye, America

2008-12-13T01:42:00.000-08:00

La película de Oksman se centra en el retrato en primera persona del actor Al Lewis, quien se haría popular en los años 60 gracias a la televisión como el abuelo de la Familia Munster. Oksman filma una entrevista-conversación en la sala de maquillaje donde el nonagenario actor dialoga con el maquillador Scott Sliger, mientras éste le va caracterizando como el entrañable abuelo vampiro. A pesar de esa premisa de puesta en escena, la faceta actoral de Lewis no es la que más interesa a Sergio Oksman: frente al espejo y a medida que su rostro se oculta tras el maquillaje, aflora un Lewis nada ficticio, más humano y comprometido con su tiempo. Oksman nos introduce así al Lewis que combatió en la segunda Guerra Mundial, que acudió con su madre a sus primeras manifestaciones, y que lleva décadas denunciando las mentiras y los crímenes de su gobierno desde las ondas radiofónicas... (seguir leyendo)

Jueves 29: Mones com la Becky

2009-01-27T01:00:00.000-08:00

No es de extrañar que, en la primera formalización del filme, la figura de Egas Monizse asemejara a la del Dr. Frankenstein, si su adscripción genérica era la ficción. Sin embargo, el filme, al prescindir de esa estructura ficcional convencional y decantarse por una estructura poliédrica y reflectante, ha salido vencedor de una apuesta arriesgada por su radicalidad y este personaje que se nos revela mucho más complejo y fascinante.
Hay una interrelación entre la estructura formal del filme y su contenido. Consciente de la imposibilidad de ofrecer una organización teleológica, Jordá renuncia, como hemos dicho, a tratar la temática de la psiquiatría y el mundo de los enfermos mentales desde una óptica de ficción. Nada más alejado de filmes típicos en este sentido: De repente el último verano (Suddenly Last Summer, Joseph L. Mankiewicz, 1958), donde hay referencias a la práctica de la lobotomía, Alguien voló sobre el nido del cuco (One Flew Over the Cucko´s Nest, Milos Forman, 1975), sobre la vida en el interior de los hospitales psiquiátricos o en las obras más recientes como Hombre mirando al sudeste (Eliseo Subiela, 1986) o Despertares (Awakenings, Penny Marshall, 1990).
Lo que hace el filme es ofrecernos diversos niveles enunciativos (documentales de la época, ensayos de una representación teatral que va a realizar un grupo de enfermos mentales de las Comunidades Terapéuticas del Maresme, la propia puesta en escena de esa obra -que narra dos momentos clave en la vida (la concesión del premio Nobel y su asesinato) de Egas Moniz-, el visionado posterior de la obra por parte de un público compuesto por los propios actores-pacientes, por los miembros del equipo fílmico y por profesionales de la psiquiatría, entrevistas a los parientes del doctor, confesiones a cámara de los enfermos, diálogos entre especialistas médicos, opiniones de neurólogos, sociólogos y filósofos (algunos dialogando frente a una cámara en mano en un laberinto vegetal, metáfora preclara de la temática y la estructura de este filme-puzzle-, la propia intervención quirúrgica de Jordá)... (seguir leyendo)

Jueves 22: Numax presenta...

2009-01-19T15:22:00.000-08:00

Joaquim Jordà es posiblemente, si no el más sobresaliente, el más homogéneo y coherente de los realizadores de la Escuela de Barcelona y quien de manera más interesante ha intentado seguir con la búsqueda de un cine político. Autor sin embargo más cercano a la idea de film político verbal que a la idea de hacer política cinematográfica a través de la forma (como abordar la estructura, la planificación de una secuencia), en este sentido podrían parecernos ejemplares títulos como La Chinoise (1967) -en apariencia todo un ejemplo de film hablado, resulta, no obstante, mucho más interesante y complejo en su construcción- o Le gai savoir (1969), ambos de Jean-Luc Godard, o las aportaciones de gente como Chris Marker, Alexander Kluge, Jean-Marie Straub,o Marcel Hanoun. Pese a encontrar en su trayectoria, sobre todo la posterior a los años de la Escuela de Barcelona, que coincide con su exilio en Italia, títulos como Lenin vivo (1970) o Portogallo, paese tranquilo (1969), generalmente se reconocen como sus dos films más aparentemente militantes, quizá por la relativa facilidad para acceder a ellos a día de hoy, en prejuicio de títulos mucho más invisibles como los citados, el díptico que componen Numax presenta… (1979) y Veinte años no es nada (2005)... (seguir leyendo)

Jueves 11: Elephant + L'Ambassade

2008-12-05T03:41:00.000-08:00

Elephant fue la última película de Alan Clarke (1935-1990), realizada, como gran parte de su trabajo, para la BBC. La violencia es el tema principal en la obra de Clarke, quien tuvo a menudo problemas para la emisión de sus series y películas. Sorprende, sin embargo, que en su último trabajo, Clarke huyera de la frontalidad con la que abordaba las manifestaciones más rabiosas de la violencia en la gran Bretaña que le tocó vivir: las instituciones penitenciarias y reformatorios (Scum, 1979), los campos de fútbol (The Firm, 1988) o los Skinheads (Made in Britain, 1982). Nadie dudó en el momento de su rodaje y emisión que Elephant refería el conflicto irlandés. De hecho, los siete meses en que BBC retrasó su programación, se debieron a algunas reacciones nerviosas en visionados privados, a la voluntad de no ofender a ningún bando. Es decir, no estaban seguros de qué significaba. Nuevamente, ‘¿Pero quién ha hecho esto?'. El título de la película proviene de un escrito previo de su guionista, Bernard MacLaverty (Belfast, 1942), quien escribió sobre problemas ‘como elefantes en tu habitación, de los que nadie quiere hablar'. La frase hizo fortuna y funciona casi como un refrán en ciertos ámbitos irlandeses. Danny Boyle produjo este mediometraje, cuyo impacto no ha dejado de crecer con el tiempo. Fue Harmony Korine quien habló de él a Gus Van Sant y éste, a partir de su descripción via teléfono, aseguró que halló la respuesta sobre cómo rodar una película en torno a la masacre en el instituto de Columbine. Ciertamente, el planteamiento visual de Elephant (Alan Clarke) es tan sencillo y contundente que podemos entender el ‘contagio creativo' por teléfono, pero los resultados no podrían ser más diferentes. Gus Van Sant se centra en un hecho conocido por todos y sobre el que pesan numerosos tópicos (‘adolescentes que leen a Hitler' y ‘disfrutan videojuegos violentos' asesinando ‘adolescentes inocentes y desprevenidos') , mientras que Clarke ha despojado de toda circunstancia una serie interminable de asesinatos, hasta entumecernos y enfrentarnos al simple gesto de apretar el gatillo, a la imagen de alguien que aprieta el gatillo. Clarke, emulando a Magritte, parece decirnos ‘esto no es un asesinato'. Gus Van Sant, por el contrario, encaró el relato de una jornada dramática, histórica, hipermediática, con elegante contención, pero consciente de que ‘escribía' sobre un día determinado: el ‘Little Big Horn' de los adolescentes yanquis, el ‘Alamo' estudiantil, ‘La matanza de Columbine'…

El planteamiento de Clarke supera con mucho la descripción de una ‘espiral de violencia'.
Los cinco primeros minutos bastan para representar eso. Pero Clarke nos enfrenta a 39.
Lo que ocurre a partir del minuto cinco, por señalar un punto en el que la mecánica repetitiva del film queda clara, es diferente en cada espectador. Lo seguro es que se llega a un punto en el que el ojo ya sólo advierte la teatralización, los efectos especiales, el movimiento de la cámara… las artes implicadas en el arte de la representación. Es dificil superar el minuto veinte y aún sentir algo, convencerse de que estamos ante el retrato de una locura insoportable. No es cierto, hay caídas que parecen cómicas, disparos que suenan a fogueo y cierta impaciencia por que acabe. A fín de cuentas es él mismo quien nos ha expulsado de la pantalla, quien ha dinamitado la ‘suspensión crítica' , la posibilidad de que nos sumergiéramos en ‘una historia'. Creemos entonces que nada nuevo surgirá de la repetición y tampoco eso es cierto. Tras el shock, la admiración, el estudio, el aburrimiento y la ansiedad viene la revelación: ‘Estoy en una sala, ante una pantalla en la que se están disparando una y otra vez sin que me importe lo más mínimo'.

Son en verdad muertes que no pesan, porque nada sabemos de quien mata ni muere. Hay una excepción, un gesto comunicativo entre víctima y verdugo, apenas dos palabras, y que sirven para que el corazón nos dé un vuelco. Entre tanto silencio, esas palabras parecen condensar todo un argumento. Sabemos al menos que se conocen y descubrimos que eso es mucho, muchísimo. Suficiente para ‘entrar' de nuevo en una historia que no es tal. Es una humillante trampa de Clarke, con la que reforzar el sentido de su discurso: no hay más historia que la que dictemos. Las imágenes, los hechos, se ajustarán a nuestra imaginación, ilustrarán nuestros deseos e impondrán nuestra visión.

Jueves 4: Punishment Park

2008-12-02T06:55:00.000-08:00

1970. La guerra en Vietnam está en plena escalada. Nixon declara el estado de emergencia nacional y –presuponemos en la película- activa el Acta de Seguridad Interna de 1950 (el Acta McCarran), que autoriza a las autoridades federales a detener a personas consideradas “un riesgo para la seguridad interna” sin consultar al Congreso. En una zona desértica del sudoeste de California, no muy lejos de las tiendas de campaña donde un tribunal civil está juzgando al Grupo 638, el Grupo 637 (en su mayoría universitarios) se encuentra en el Parque Nacional de Castigo Bear Mountain... Al Grupo 637 se les ha prometido la libertad si escapan de los agentes de la ley que les persiguen y llegan a la bandera americana situada a 53 millas a través de las montañas en el plazo de tres días. Mientras tanto, en la tienda del tribunal, el Grupo 638 –considerados culpables antes de ser juzgados- luchan en vano por argumentar su oposición a la guerra de Vietnam. Mientras ellos se defienden, ante el acoso de los miembros del tribunal, el exhausto Grupo 637... han votado a favor de dividirse en tres subgrupos: los que intentarán escapar del Parque, los que ya se han rendido, y los que están decididos a llegar a la bandera...

¿Por qué molesta Peter Watkins?
La trayectoria de Peter Watkins es bastante singular, sobre todo si tenemos en cuenta que, de entre la amplia nómina de grandes cineastas europeos surgidos del corazón de la modernidad de los años sesenta, es uno de los más innovadores y, al mismo tiempo, de los más desconocidos y olvidados... (seguir leyendo)